Emilio Izquierdo

Henri Cartier-Bresson. Esencia polifacética.

2012-02-12T11:10:00.000+01:00

Como muchos de los grandes fotógrafos de la época, tuvieron también sus etapas de expresión en otras facetas del arte como el dibujo y la pintura. Me parece envidiable y de gran admiración, ese afán de expresión y creatividad de esas generaciones de fotográfos que a pesar de vivir en una época infinítamente mas pobre en cuanto a recursos y divulgación del arte, desarrollaron ampliamente toda su creatividad, y sobre todo intentando casi siempre huir de parecerse a nadie.

Este es un fragmento que me ha llamado la atención del libro "Diálogo con la fotografía"

Mi padre dibujaba muy bien; mi hermano menor era un buen pintor, que prometía mucho, pero lo mataron al principio de la Primera Guerra Mundial. Yo comencé a pintar junto a uno de sus amigos cuando tenía trece o catorce años. Después, durante dos años (1927-1928) trabajé en el estudio de André Lhote, pintor cubista y excelente maestro. Finalmente abandoné, porque temía que si me quedaba mucho mas, todos mis cuadros se parecerian a cuadros de Lhote. No volví a la pintura hasta 1943, cuando huí de un campo de prisioneros de guerra y empecé a pintar gouaches.

En 1973 comencé de nuevo a dibujar activamente. Mi mayor preocupación han sido siempre las artes plásticas, y la fotografía ha sido solo un aspecto de ellas. A mi regreso de África en 1932, descubrí -gracias a ese aparato rápido y sencillo llamado Leica- este método de dibujo que cincela y modela la realidad en un instante.
En mi opinión hay un punto de partida común para el dibujo y la fotografía: el acto de mirar, pero a partir de ahí se separan, pues el dibujo es una elaboración de la realidad, mientras que la fotografía, para mi, es un momento supremo capturado con un solo plano. La primera fotografía que verdaderamente me emocionó y aún lo sigue haciendo, por su vida palpitante y por el rigor de su composición, es una de Munkacsi, en la que tres niños negros corren hacia las olas.

Munkacsi Three boys at Tanganyika - 1930

En 1935, cuando estaba en los Estados unidos, aprendí de Paul Strand los rudimentos y la técnica de la filmación. Ese año no tomé fotografías. Debo también mucho a Jean Renoir, para quien trabajé como segundo ayudante de dirección. Lo que mas me gustaba era trabajar sobre el diálogo y nunca tuve relación alguna con el trabajo de cámara o con la iluminación. Pero pensé que no tenia talento para el cine de ficción. He hecho cuatro films documentales. En mi opinión no existe relación entre la fotografía fija y la imagen cinematográfica. En el cine la fotografía es volátil, como una palabra en un discurso. En la fotografía, se acerca mas al monotipo, a la litografía, al dibujo.

¿de Magnum?

2012-02-11T13:26:00.000+01:00

Nueva foto publicada en el album Paseos por Barcelona

Robert Doisneau. Describir es matar, sugerir es dar la vida.

2012-02-11T08:11:00.000+01:00

“Me gustaría hablar de la imagen aislada. Hay fotografías que no solo pueden poseer una asombrosa presencia gráfica, sino que pueden irradiar también una singular atmósfera propia, la cual queda en uno mismo y deja una huella importante en la propia mente. Pienso en las fotos de Edouard Boubat, de Brassai, de Cartier-Bresson. Esas tienen un poder extraordinario y quedan presas de la mente, en mi mente. Tocan una cuerda extremadamente sensitiva. ¿Pero como son hechas? No hay una ley para describirlas. Eso es sin embargo lo que me gustaría obtener ahora; una imagen aislada cuyo contenido posea el poder mágico del recuerdo o de la memorización. Eso no sucede tan solo diciendo que se produce un encuentro con el escenario, un encuentro con la gente. Está también en la luz. Esas imágenes son cuadros que para mi tienen una especie de perfume. Se quedan cerca, como una tonadilla que te asedia porque la estás silbando siempre. No te puedes desenredar de ellas. La imagen aislada tiene un poder evocativo mucho mayor que el de las series. No puedo recordar quien dijo " Describir es matar, sugerir es dar la vida." Esa es la clave.

Hay que dejar que la persona que mira la fotografía camine por si misma en ese sendero visual. Debemos recordar siempre que una fotografía está hecha también de la persona que la mira. Eso es muy, muy importante. Quizá sea esa la razón, detrás de esas fotos que me obsesionan y que obsesionan también a otras personas. Se trata de ese paseo que uno emprende con la fotografía cuando la experimenta. Hay que dejar que el espectador se desenrede, se libere para el viaje. Se le ofrece la semilla y el espectador la deja crecer dentro de si mismo. Durante mucho tiempo creí que debía dar al público todo el relato. Estaba equivocado.”

Robert Doisneau en el libro "Diálogo con la fotografía"

Desesperación

2012-02-10T18:41:00.000+01:00

Nueva foto publicada en el album Paseos por Barcelona

Henri Cartier-Bresson. La fotografía es .......

2012-02-09T17:58:00.001+01:00

La fotografía no ha cambiado desde su origen excepto en sus aspectos técnicos, que para mi no son de importancia principal.

La fotografía parece ser una actividad fácil; de hecho es un proceso variado y ambiguo, donde el único denominador común entre sus practicantes es su instrumento. Lo que surge de esta maquina de registro no escapa a las restricciones económicas de un mundo de derroche, de tensiones que se hacen cada vez mas intensas y de consecuencias ecológicas dementes.

La fotografía "manufacturada" o escenificada no me interesa. Y si formulo un juicio, solo puedo hacerlo a un nivel psicológico o sociológico.

Hay quienes salen a descubrir la imagen y apresarla. Para mi, la cámara es un libro de bocetos, un instrumento de intuición y espontaneidad, el amo del instante que en términos visuales, simultáneamente pregunta y decide.

Para "dar sentido al mundo", hay que sentirse sumergido en lo que uno enmarca a través del objetivo. Esta actitud requiere concentración, una disciplina mental, sensibilidad y un sentido de la geometría. Es por medio de una gran economía de medios como se llega a la simplicidad de la expresión. Uno debe tomar siempre fotos con el mayor respeto hacia el tema y por uno mismo.

Tomar fotografías es retener el aliento cuando toda las facultades convergen frente a la realidad fugitiva. Es en ese momento cuando dominar a una imagen se convierte en un gran goce físico e intelectual.

Tomar fotografías significa reconocer simultáneamente y en una fracción de segundo, tanto el hecho mismo, como la rigurosa organización de formas visualmente percibidas que le dan sentido. Es poner la cabeza, el ojo y el corazón en un mismo eje.

En lo que a mi se refiere, tomar fotografías es un medio de comprensión que no puede ser separado de otros medios de expresión visual. Es una forma de gritar, de liberarse, no de poner aprueba o ratificar la propia originalidad. Es una manera de vida.

Prefacio del primer volumen de Aperture History of Photography Series. 1976

Eso no es America

2012-02-08T19:04:00.000+01:00

Nueva foto publicada en el album Paseos por Barcelona

Cruce de culturas

2012-02-08T00:18:00.001+01:00

Nueva foto publicada en el album Paseos por Barcelona

Los bodegones de Laura Letinsky

2012-02-07T23:17:00.001+01:00

Nacida en Canadá en 1962 y profesora de la Universidad deChicago se inspira en la tradición de la pintura y bodegón holandésdel siglo XVII para realizar algunas de sus fotografías.

Conozco losbodegones de Laura Letinsky desde hace algún tiempo, Laura ha hecho otrotipo de fotografía, pero como amante de los bodegones, me llaman laatención sus frutas, sus manteles blancos manchados de vino, copasvacias, pétalos de flores, todo con un aparente desorden y creando unascomposiciones fuera de lo común, tienen una estética muy de mi agradoy sugieren cierta delicadeza y fragilidad.

Según sus propias palabras: "Me interesaba el punto final narrativo de lasobra, lo que resiste, no como un lugar triste o deprimente, sino porque estodo lo que en realidad tenemos, lo que nos es dado. Tambien me interesa lamanera como el bodegón aparece como una especie de actor secundario en lapintura religiosa, renacentista y barroca y tambien en la obra mas reciente deChardin, Cézanne y Morandi. Creo que aprendí de esas obras y quierorelacionarme con ellas como parte de un diálogo. En una de mis fotografías hayun tazón de melocotones que hace referencia a un cuadro de Chardin. Un dia fuía recojer melocotones y cuando llegué a casa me di cuenta que habia cogidodemasiados. Enseguida empezaron a pudrirse. Me interesaba ver como podriaexpresar mi amor por el cuadro de Chardin y al mismo tiempo responder a mipropia experiencia y comunicarla tanto literal como emocionalmente. Opino quemientras hago referencias al género en diferentes estadios históricos, miobra tambien refleja un enfoque propio en este contexto contemporáneo, desdeuna posición de intimidad, ambivalencia y ternura. Nunca desearia recrear uncuadro. Repito que considero mi trabajo como un diálogo, una conversación entrelo que era y lo que es."

Litoral

2012-02-01T23:18:00.001+01:00

Traveling south

2012-02-01T23:17:00.002+01:00

Morning

2012-02-01T23:15:00.002+01:00

Turó de Sant Pau

2012-02-01T23:14:00.000+01:00

Preguntas sin respuesta. Fernando Puche

2012-01-04T18:53:00.000+01:00

Preguntas sin respuesta de Fernando Puche y que se publicaron hace unas semanas en DSLR Magazine.

Vale la pena leerlas, reflexionar con cada una de ellas y si se puede, responderlas.

· ¿Cuánto tarda la gente en aprender que apretar el botón de su cámara es “sólo” un eslabón de una cadena que tiene muchos más eslabones, y más importantes, que configuran todo un proceso largo y complejo?

· ¿Cuánto tiempo tardamos en asimilar que la fotografía depende de muchas más cosas que de las fotos que vemos y hacemos?

· ¿Cuánto tiempo nos lleva aprender que la cámara es sólo una excusa para mostrar una parte de nuestro yo interno?

· ¿Qué es lo que hace que un día concreto nos demos cuenta que hemos agotado todas las ideas que hemos podido absorber, y necesitamos ser capaces de generar otras “nuevas”?

· ¿Cuántos años han de transcurrir antes de ser conscientes de que hacer fotos no tiene nada que ver con ser fotógrafo?

Hay algunas más que ahora no recuerdo, pero estoy seguro que me seguirán surgiendo y que seré incapaz de darles respuesta. Quizá la única pregunta que puedo contestar sería si conozco cuál es el camino para enseñar cómo convertirse en fotógrafo. La respuesta es sencilla: NO.

La ambigüedad de la fotografía.

2012-01-03T18:57:00.000+01:00

Se dice que la cámara no puede mentir porque la fotografía no tiene lenguaje propio, porque cita más que traduce. No puede mentir porque imprime directamente. Sin embargo, las fotografías pueden ser, y son, masivamente utilizadas para engañar y mal informar. La cámara no miente ni cuando es utilizada para citar una mentira. Y así, eso hace que la mentira parezca más veraz. En sí misma, la fotografía no puede mentir, pero, por la misma razón, no puede decir la verdad; o mejor dicho, la verdad que puede defender por sí misma es limitada.

La cita fotográfica es, dentro de sus límites, incontrovertible. Sin embargo, esa cita, planteada como un hecho dentro de un argumento explícito o implícito, puede engañar. A veces el engaño es deliberado, como en el caso de la publicidad; a menudo es el resultado de una suposición ideológica no cuestionada.

Una fotografía detiene el flujo del tiempo en el que una vez existió el suceso fotografiado. Todas las fotografías son del pasado, no obstante en ellas un instante del pasado queda detenido de tal modo que, a diferencia de un pasado vivido, no puede nunca conducir al presente. Toda fotografía nos presenta dos mensajes: un mensaje relativo al suceso fotografiado y otro relativo a un golpe de discontinuidad.

Entre el momento fotografiado y el momento presente en que miramos la fotografía hay un abismo.

Una fotografía preserva un momento de tiempo y evita que pueda ser borrado por la sucesión de más momentos. En este sentido, las fotografías podrían compararse a imágenes almacenadas en la memoria. Sin embargo, hay una diferencia fundamental: mientras que las imágenes recordadas son un residuo de una experiencia continua, una fotografía aísla las apariencias de un instante inconexo.

El fotógrafo profesional intenta, al hacer una fotografía, escoger un instante que persuadirá al público espectador para que le dé un pasado y un futuro apropiados. La inteligencia del fotógrafo o su empatía con el tema define por él lo que es apropiado. Pero, a diferencia del narrador, pintor o actor, el fotógrafo sólo realiza, en cualquier fotografía, una única elección esencial: la elección del instante que va a fotografiar. La fotografía, comparada con otros medios de comunicación, es por tanto débil en intencionalidad.

Una fotografía dramática puede ser tan ambigua como una que no lo es en absoluto.

¿Qué sucede? Necesitamos de un título para comprender la significación del suceso. "Nazis quemando libros". Y la significación del título una vez más depende de un sentido de la historia que no podemos necesariamente dar por supuesto.

Todas las fotografías son ambiguas. Todas las fotografías han sido arrancadas de una continuidad. Si el evento es un suceso público, esa continuidad es historia; si es personal, la continuidad, que ha sido rota, es historia de una vida. Incluso un simple paisaje rompe una continuidad: la de la luz y el tiempo. La discontinuidad siempre produce ambigüedad. Sin embargo, a menudo esta ambigüedad no es obvia, porque en cuanto una fotografía es utilizada con palabras, juntas producen un efecto de certeza, incluso de afirmación dogmática.

En la relación entre una fotografía y las palabras, la fotografía reclama una interpretación y las palabras la proporcionan la mayoría de las veces. La fotografía, irrefutable en tanto que evidencia, pero débil en significado, cobra significación mediante las palabras. Y las palabras, que por sí mismas quedan en el plano de la generalización, recuperan una autenticidad específica gracias a la irrefutabilidad de la fotografía. En ese momento, unidas las dos, se vuelven muy poderosas; una pregunta abierta parece haber sido plenamente contestada.

Con todo, pudiera ser que la ambigüedad fotográfica, si como tal se reconoce y acepta, podría ofrecer a la fotografía un medio único de expresión. ¿Podría esta ambigüedad sugerir otra manera de contar?

En cierto modo, no hay fotografías que puedan ser negadas. Todas las fotografías poseen categoría de realidad. Lo que ha de examinarse es de qué modo la fotografía puede o no dar significado a los hechos.

Una fotografía que alcanza la expresividad funciona dialécticamente así: preserva la particularidad del suceso registrado y elige un instante en el que las correspondencias de esas apariencias particulares articulan una idea general.

Las fotografías citan las apariencias. Extraer la cita produce una discontinuidad, que se ve reflejada en la ambigüedad del significado de una fotografía. Todos los sucesos fotografiados son ambiguos, excepto para aquellos cuya relación personal con el suceso es tal que sus propias vidas proporcionan la continuidad que faltaba. Por lo general, la ambigüedad de las fotografías expuestas al público queda oculta detrás de las palabras que explican, más o menos sinceramente, los sucesos fotografiados.

No obstante, la misma discontinuidad, al preservar un conjunto instantáneo de apariencias, nos permite interpretarlas y encontrar una coherencia sincrónica. Una coherencia que, en lugar de narrar, provoca ideas.

Los reportajes gráficos son el testimonio de un testigo presencial más que una historia, y es por esto por lo que tienen que depender de las palabras para poder superar la inevitable ambigüedad de las imágenes. En los reportajes, las ambigüedades son inaceptables; en las historias son inevitables.

Si existe una forma narrativa propia de la fotografía, ¿no se parecerá a la del cine? Sorprendentemente, la fotografía es lo contrario de las películas. Las fotografías son retrospectivas y así se las acepta: las películas son anticipadoras. Ante una fotografía uno busca lo que estaba ahí. En el cine esperas a ver qué viene a continuación. Toda narrativa cinematográfica, en este sentido, es aventura: avanza, llega. El termino flashback es un reconocimiento de la inexorable impaciencia por que la película avance.

Por el contrario, si existe una forma narrativa intrínseca a la fotografía fija, ésta buscará lo que sucedió, como ocurre con los recuerdos o reflexiones. La propia memoria no está hecha de flashbacks, cada uno de los cuales se mueve inexorablemente hacia delante. La memoria es un campo en el que coexisten diferentes tiempos. Es un campo continuo en términos de la subjetividad que lo crea y lo extiende, pero es discontinuo en su temporalidad.

Una fotografía es más simple que la mayoría de nuestros recuerdos, su campo es más limitado. Sin embargo, con la invención de la fotografía adquirimos un nuevo medio de expresión más estrechamente asociado a la memoria que ningún otro. La musa de la fotografía no es una de las hijas de la musa de la memoria, sino la memoria misma. Tanto la fotografía como lo recordado dependen e igualmente se oponen al paso del tiempo. Ambos preservan el momento y proponen su propia forma de simultaneidad, en la que todas las imágenes pueden coexistir. Ambos estimulan, y son estimulados por la interconexión de los sucesos. Ambos buscan instantes de revelación, porque son sólo esos instantes los que dan razón completa de su propia capacidad de resistir el flujo del tiempo.

John Berger y Jean Mohr: "Otra manera de contar"

La importancia de la composición para Cartier Bresson.

2012-01-03T14:07:00.000+01:00

La fotografía implica el reconocimiento de un ritmo en el mundo de los objetos reales. Lo que el ojo hace es encontrar y enfocar un sujeto determinado dentro de la masa de la realidad. Lo que la cámara hace es simplemente registrar sobre la película la decisión tomada por el ojo. Como con la pintura, al ver y percibir una fotografía lo hacemos considerándola en toda su integridad y de un solo golpe de vista. En una fotografía la composición es el resultado de una coalición simultánea, de la coordinación orgánica de los elementos vistos por el ojo. Uno no agrega la composición como si esta fuera una reflexión posterior sobreimpuesta al material básico del sujeto, puesto que es imposible separar el contenido de la forma.

El ojo del fotógrafo esta en perpetua evaluación. Un fotógrafo puede lograr una coincidencia de líneas con tan solo mover su cabeza una fracción de milímetro. Puede modificar perspectivas mediante una ligera flexión de sus rodillas. Desplazando la cámara a mayor o menor distancia del sujeto logra un detalle, y este puede subordinado al resto o puede subyugar al fotógrafo, pero compone una fotografía en casi el mismo tiempo que le toma disparar el obturador, o sea, a la velocidad de un acto reflejo.

Sucede, ciertas veces, que uno se atasca, se demora, espera a que suceda algo. Uno tiene la sensación de que se tiene la estructura completa de una fotografía, excepto tan solo por una cosa que parece estar faltándole. ¿Pero cual? Quizá alguien de repente llega a caminar dentro de nuestro campo visual. Uno sigue su trayectoria a través del visor. Y espera y espera hasta que finalmente aprieta el disparador y se va con la sensación (sin saber por que) de que se consiguió algo realmente bueno. Mas adelante, para concretar esto podemos hacer una copia de las fotografía, trazar sobre ella las figuras geométricas observadas, y veremos que si el obturador fue disparado en el momento preciso, habremos fijado un diseño geométrico sin el cual la fotografía no hubiese tenido vida ni forma.

La composición debe ser una de nuestras preocupaciones constantes, pero en el momento de fotografiar solo podemos hacerla brotar intuitivamente, pues hemos salido a la captura del instante fugaz y toda las interrelaciones involucradas están en movimiento.

Si uno empieza cortando o decapitando una buena fotografía, esto significa matar la acción recíproca de la proporciones. Además, muy raramente sucede que una fotografía que fue débilmente compuesta pueda ser salvada recontrayendo su composición en una ampliadora del laboratorio; ahí la visión ya no puede darse integra. Se habla mucho de los ángulos de la cámara, pero los únicos ángulos valiosos son los de la geometría de la composición, no aquellos fabricados por el fotógrafo que dispara desde la tripa o ejecuta otras antiguallas por el estilo para procurarse efectos insólitos.

Cartier Bresson: La composición. en “El Instante Decisivo”

Miksang o fotografía contemplativa

2012-01-02T18:14:00.000+01:00

Hace un tiempo que me encontré con este concepto fotográfico y no le presté demasiada atención, hoy he querido repasarlo y ver bien de que se trata. Al principio puede parecer un tanto difuso y un poco de rollo espiritual, pero analizándolo un poco y asimilando sus fundamentos pueden servir al menos para hacernos recapacitar que a veces es necesario.

Miksang es una palabra tibetana que significa “buen ojo” y viene a estar teóricamente ligada a la fotografía contemplativa.

Se trata de realizar una percepción de las cosas y de la naturaleza en general diferente, libre de prejuicios y asociaciones ya aprendidas. Se trata de apreciar todo lo que nos rodea sin pensamientos subjetivos ni temores previos al instante de capturar la imagen.

El Miksang está basado en las enseñanzas del artista y profesor budista Chögyam Trungpa Rimpoche. Según él, debemos dejar de luchar por obtener una imagen fotográfica brillante o conmovedora y liberarnos de la necesidad de impresionar. Esto sólo ocurre cuando practicamos una percepción pura. En todo lo que nos rodea hay detalles e instantes que vivimos que merecen la pena captar sin la obligación de seguir patrones establecidos. La gran dificultad es saber apreciar esto y conseguir la manera expresarlo en imágenes.

Es una manera de fotografiar de manera natural, intentando recoger todos los detalles que la cotidianidad nos sirve cada dia, un árbol, el brillo de la arena, las texturas de unas sombras, el reflejo de un ojo, ventanas, adoquines, edificios que dibujan sus líneas en el cielo azul, campos sembrados, playas desiertas, expresiones de personas. Es el momento de sentir a través del cuerpo la energía del instante, del clic.

Este es un enlace MIKSANG en el que lo explicará mejor y se pueden ver galerías de fotos de gente que lo lleva a cabo.

También debo decir que este tipo de practicar la fotografía es una variante o modalidad que me ha parecido interesante, pero que no pienso que sea para sustituir, menospreciar o dejar de lado otra manera de hacer, que quede claro. Los grandes maestros, nuestros grandes referentes, todos los proyectos programados y trabajos minuciosamente llevados a cabo, están ahí y seguirán estando para nuestro deleite.

Simplemente he querido sacar a flote esta manera de entender la fotografía por si le puede servir a alguien de ayuda a la hora de continuar en el camino, y hacerle ver que se pueden hacer fotos, sin presión y de manera mas relajada, este camino de la fotografía en el que a veces los aficionados encontramos muchísimos baches, seguramente por nuestra inexperiencia, ganas de progresar rápido y búsqueda de metas inciertas. En esas rachas de poca inspiración y creatividad que muchos tenemos y a veces parecen eternizarse, puede ser una opción a guardar la cámara en el armario.

¿Para quien fotografiamos?

2012-01-02T18:03:00.000+01:00

Reflexionando sobre el párrafo de Eliot Porter que publiqué el otro día y con el que básicamente estoy de acuerdo, me viene a la mente una frase que he oído en mas de una ocasión: "Yo fotografío para mí y hago las fotos que a mi me gustan al margen de los demás"

Así de tajante. Vale, pero he de decir que de todos los fotógrafos que conozco, tan solo me he encontrado con un caso que realmente sea 100% fiel a esta afirmación. Una persona que hace sus fotografías, las revela y las archiva en su casa sin mostrárselas a nadie, únicamente su mujer o algún amigo contempla alguna de ellas cuando forman parte de la decoración de su propio despacho, nada mas, ni galería física o virtual, ni portfolio, ni flickr, ni facebook, ni nada de nada, solo un periodo indefinido de tiempo colgando de la pared en su despacho y luego al armario.

Todos los demás publicamos donde nos dejan, por supuesto en internet y si se puede exponer en algún sitio físicamente mejor y si viene mucha gente, mejor todavía y últimamente la moda de hacerse un libro de fotografías, redes sociales, foros, galerías, donde sea...

Este tema me produce ciertas contradicciones porque veo que necesitamos sentir que nuestra obra es contemplada, como un pintor expone sus cuadros o un escritor publica sus artículos o novelas ¿que sentido tendría escribir, pintar o fotografiar para luego almacenar en el armario todo ese trabajo?

Por otro lado, todo esto creo que puede producir en nuestros tiempos ciertas dosis de ansiedad, parece que hay que estar en todo momento y en todo lugar, pasando a segundo termino la esencia básica de la fotografía, la tranquilidad de dicho acto, el análisis personal, la autovaloración, el silencio y la relajación que supone el estar contento con tu propio trabajo sin la incertidumbre de la calificación ajena.

Preocupaciones iniciales.

2011-12-31T12:52:00.000+01:00

Un párrafo de Eliot Porter en el libro: "Diálogo con la fotografía" que me ha parecido interesante.

"Al principio, una de mis principales preocupaciones era que la gente mirara mis fotografías, obtener algún reconocimiento de que la fotografía en color era un medio válido de expresión. Ahora no necesito preocuparme de eso, porque creo que hay bastante gente que aprecia la fotografía en color. Si se trabaja en el vacío es difícil seguir adelante. Hay que tener gran firmeza y paciencia. Una vez que se obtiene algún reconocimiento, eso es muy estimulante, y de inmediato uno se hace más productivo. Lo he notado en mi y en otros. Una vez que han sido capaces de obtener cierta aceptación de ser artistas, de poseer percepción, eso realza su percepción y entonces se hacen más creativos. Pienso que eso fue una ayuda para mi, porque en realidad después de publicar "In Wildness" fuí capaz de ver las cosas más claramente. Fui mas audaz que antes, menos inhibido. No me dije: -Oh, no vale la pena, a nadie va a importarle- .Sin embargo, no es suficiente decir: -Bien, lo hice solo para mí-, porque en realidad uno no lo hace para si, sino para un público en algún lugar y en cierto momento."

Todas son reales

2011-12-29T11:54:00.003+01:00

Contraportada del libro "Otra manera de contar" de John Berger y Jean Mohr.

"No hay fotografías que puedan ser negadas. Todas las fotografías poseen categoría de realidad. Lo que ha de examinarse es de qué modo la fotografía puede o no dar significado a los hechos."